Musica Ascoltata

OCTAVARIUM - Dream Theater

2009-08-23T18:56:00.007+02:00

Dopo il successo di Metropolis II, i Dream Theater erano entrati in una fase di studio, di ricerca. Si sentiva il bisogno di dirigere le idee verso nuovi lidi ma, ascoltando i lavori successivi, si aveva la netta sensazione che, a fronte di una quantità impressionante di materiale sonoro, non ci fosse altrettanta chiarezza sul modo con cui plasmarlo. Lungi dall'esaurire una vena creativa al contrario sempre prodiga, i Dream Theater davano l'impressione di roteare su se stessi, produttori di una forza energetica devastante ma, per varie ragioni, incapaci di darle una direzione.
Octavarium sembra aver finalmente posto fine a questa impasse. Tornando a un sound più vicino a quello dei tempi di “Images and words” e ricco di spunti di floydiana memoria, i Dream Theater prendono finalmente una strada precisa dal punto di vista sonoro e compositivo e, a briglie sciolte, sfornano un disco entusiasmante.
Si nota subito un rischiararsi di idee che erano, fino a qualche tempo prima, perse in un grigiore confuso e soffocante. Ora tutto è colore, energia che, a grandi fiotti, fluisce e travolge. Sembra quasi che il quintetto di New York si sia tolto un peso di dosso e abbia finalmente potuto dar sfogo alla propria creatività senza più lacci a condizionarne l'espressione.
In particolare c'è la sensazione di una maggior coesione su tutti i fronti, come se i cinque componenti riuscissero a dare il meglio, in una simbiosi pressoché perfetta. I Dream Theater hanno riacquistato coscienza di sé e si sono messi a fare musica più col cuore e meno con la testa. Il risultato è brani più emozionanti e meno cervellotici. Pur sempre con la suprema tecnica che ora però viene messa al servizio della musica, senza più dominare la scena con prepotenza ma limitandosi a deliziare le orecchie di chi ascolta.
Dopo i tormenti di Train of thought, i Dream Theater, con Octavarium, sembrano aver ritrovato la sicurezza smarrita.

Anno di pubblicazione: 2005
Titoli brani:

The root of all evil

The answer lies within

These walls

I walk beside you

Panic attack

Never enough

Sacrificed sons

Octavarium

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TRAIN OF THOUGHT - Dream Theater

2009-08-23T18:22:00.005+02:00

Prosegue la marcia dei Dream Theater verso la ricerca di nuove sonorità e di nuove direzioni stilistiche, iniziata nel precedente lavoro Six degrees of inner turbulence. La scala di grigi con cui il libretto è stato pubblicato riflette le tinte con cui è stato dipinto questo disco: fosco, ruvido, metallico, probabilmente il più “scuro” di tutti i loro lavori. E` un album impegnativo dal punto di vista della fatica di ascolto poiché aggredisce l'ascoltatore con brani graffianti, a volte brutali.
I Dream Theater mostrano il loro lato oscuro e presentano una raccolta di canzoni a muso duro. C'è un malessere di fondo, una sorta di risentimento, di rabbia repressa che loro stessi fanno quasi fatica a trattenere. Quando non ci riescono la musica prende il sopravvento e deraglia. Sembra proprio che Train of thought sia proprio una sorta di momentanea perdita di controllo del quintetto, un treno lanciato in corsa, carico di pensieri, di cattivi pensieri, aggiungerei. Qui non si costruisce nulla, si distrugge, si va alla deriva, i Dream Theater stessi suonano senza sapere esattamente cosa stanno suonando, sono in trance, iniziano un discorso ma ne perdono il filo di lì a poco, poi magari lo riprendono in un momento di lucidità dopo essersi persi nelle loro follie ma non sempre ci riescono.
Train of thought è un album che lascia frastornati, mette a disagio, disorienta. I sospetti nati con “Six degrees”, dove si intravedeva una perdita di direzione da parte del gruppo qui prendono consistenza. I Dream Theater si sono persi nei loro meandri strumentali e sembra che non riescano più a venirne fuori, la cosa inquietante è che il labirinto in cui si sono cacciati è tetro e spaventoso e non tutti sono disposti a seguirli fin lì dentro.
Chi invece desidera vedere dove andranno a finire deve però stare attento a non perderli di vista perché questa volta i nostri sono animati da oscuri pensieri, non hanno tempo da perdere con nessuno, non vogliono dar retta a nessuno e non si preoccupano che quelli che li ascoltano li capiscano davvero. Questa volta ci sarà da correre per stargli dietro.
Anno di pubblicazione: 2003
Titoli brani:

As I Am

This Dying Soul

Endless Sacrifice

Honor Thy Father

Vacant

Stream Of Consciousness

In The Name Of God

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SIX DEGREES OF INNER TURBULENCE - Dream Theater

2009-08-23T17:22:00.004+02:00

Negli ultimi anni si sono criticati alcuni gruppi metal perché diventati un po' troppo "commerciali". Album considerati pietre miliari nella storia del genere vengono seguiti da mediocri lavori che sacrificano un sound ostico ma affascinante per uno più orecchiabile ma scontato.
Per i Dream Theater accade invece che vengano criticati per il motivo contrario, cioé esagerano nel cercare a tutti i costi la complessità compositiva, al punto da mettere in difficoltà l'ascoltatore nel seguirli attraverso i loro labirintici cunicoli sonori.
C'è da dire che da questo album in poi, i Dream Theater pongono le basi per un'impostazione sonora che verrà mantenuta in tutti i successivi lavori. Si nota infatti come, se da un lato nei primi cinque album in studio era evidente un'evoluzione da un punto di vista stilistico, da ora in avanti lo stile tende a stabilizzarsi. Il gruppo incentra la propria ricerca artistica più sul lato creativo/compositivo, dedicandosi a quello sonoro solo marginalmente, operando qualche ritocco qua e là ma mantenendo una certa coerenza. Ecco allora che prende piede un'impostazione più heavy, più chiassosa, mentre i brani si fanno sempre più prolissi, somigliando a una sorta di arrampicata su scale toniche con velocità impossibili e scambi strumentali al limite dell'umano.
In molti sostengono che si sia passato il segno, che si badi più alla fredda tecnica che all'aspetto emozionale dei brani. Chiaramente c'è una componente soggettiva che non si può ignorare, dal canto mio ritengo questo un album poco significativo nel percorso artistico della band, dove emerge più una confusione creativa che una chiara direzione mentale, dove giusto in uno o due brani si fa sentire lo spirito del gruppo e il messaggio che esso intende proporre. Per il resto, i Dream Theater, con Six degrees of inner turbulence non sembrano riuscire a raggiungere l'ascoltatore in modo efficace. Troppo intricato, troppo ermetico, alla fine ciò che rimane è un gran frastuono e poco più.

Anno di pubblicazione: 2002
Titoli brani:

The Glass Prison

Blind Faith

Misunderstood

The Great Debate

Disappear

Six Degrees of Inner Turbulence

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SCENES FROM A MEMORY - Dream Theater

2009-08-23T16:53:00.004+02:00

Da molti considerato il loro lavoro migliore, di certo incarna il vero spirito del gruppo, cioé quello della narrazione musicale. Per molti mesi gran parte dei fan si sono lambiccati il cervello nel tentativo di scoprire la complessa trama che sta alle spalle di questo concept, che ben si presta, visto l'intrico della stessa esposizione, a speculazioni di ogni genere.
Tuttavia una storia c'è, piuttosto sorprendente anche, che mette in luce la parte più spirituale dei Dream Theater, spiegando un po' il loro punto di vista sulla vita e la morte. La rappresentazione di questo vero e proprio testo teatrale è affidata come sempre alle arzigogolate e geometriche costruzioni del quintetto, la cui caratura tecnica è sempre su livelli spaventosi.
La sensazione immediata che si prova nel maneggiare il disco è quella trasmessa da un'opera molto ricercata, su cui si nota una cura del dettaglio a partire dal libretto, fino naturalmente al contenuto del cd. Unica nota stonata, la qualità della registrazione a mio giudizio non proprio eccezionale (sound un po' opaco).
Emerge fin dai primi secondi lo stile del concept, quando la voce dello psicoterepeuta ci introduce nel dramma. E' un inizio molto floydiano, dopotutto i Dream Theater piazzano spesso qua e là omaggi ai gruppi che del prog hanno fatto la storia. Ma si tratta solo di poche battute perché poi i cinque ingranano la marcia e partono subito spediti, lasciandosi dietro tutto e tutti per imporre il proprio sound con la consueta autorevolezza.
La prima mezz'ora va giù tutta d'un fiato, l'esecuzione si trascina dietro l'ascoltatore in una sorta di scivolo da luna park, lanciati a tutta velocità nello svolgersi del racconto. Giunti in fondo si tira momentaneamente il fiato ma dura poco perché poi si ricomincia, anche se i ritmi si fanno più cadenzati e vari, alternando momenti aggressivi e drammatici ad altri più riflessivi. Fino al gran finale, quando il sipario infine cala.
E' un'opera di forte impatto, anche eseguita dal vivo sul palco riesce ad emozionare. Il nuovo arrivato Rudess alle tastiere imprime subito la propria impronta al suono del gruppo, nel quale sembra integrarsi alla perfezione, dopotutto diverrà colonna portante negli anni successivi quando i Dream Theater acquisiranno una conformazione stabile e duratura.
In molti concordano sulla considerazione che proprio grazie a "Scenes from a memory" il gruppo abbia avuto la possibilità di uscire da una sorta di tunnel creativo, che rischiava di far perdere loro le (buone) idee sulle quali si basavano i primi, splendidi lavori. Di certo è in questo album che vengono gettate le basi di una impostazione che la band si porterà dietro nel decennio successivo, sulla quale costruirà la propria conformazione definitiva e maturerà le evoluzioni che ogni gruppo progressive cerca.

Anno di pubblicazione: 1999
Titoli brani:

Regression

Overture 1928

Strange Deja Vu

Through My Words

Fatal Tragedy

Beyond This Life

Through Her Eyes

Home

The Dance of Eternity

One Last Time

The Spirit Carries On

Finally Free

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OCEANIC - Vangelis

2009-06-13T16:02:00.003+02:00

Come suggerito dal titolo della prima traccia, Vangelis ci invita a intraprendere con lui un viaggio intorno al mondo, solcando le acque degli oceani. E con la consueta grazia che contraddistingue la musica del grande artista greco, ci troviamo immersi in paesaggi dove l'azzurro del mare e del cielo spadroneggiano, dove il calore del sole bacia la pelle e dove le coste, luogo in cui acqua e terra si incontrano, disegnano forme e atmosfere che cambiano al cambiare della latitudine. Dalle spiagge spagnole alle isole orientali, dalla barriera corallina alle onde del Pacifico, Oceanic tocca lidi meravigliosi, dipinge atmosfere da sogno, Vangelis sa incantare come solo un maestro del suo calibro può fare.

Anno di pubblicazione: 1996
Titoli brani:

Bon voyage

Sirens' whispering

Dreams of surf

Spanish harbour

Islands of the orient

Fields of coral

Aquatic dance

Memories of blue

Song of the seas

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THE SONGS OF DISTANT EARTH - Mike Oldfield

2009-06-10T23:23:00.005+02:00

Senza pretese sperimentali, Mike Oldfield propone un disco molto accattivante, fatto di brani orecchiabili e sonorità attraenti. Le tracce si lasciano ascoltare senza fatica, regalando all'ascoltatore quel "sense of wonder" della migliore fantascienza. The songs of distant earth prendono infatti forma dalle idee di Arthur C. Clarke, uno degli scrittori più noti del genere, Mike Oldfield ne trae ispirazione e si butta in un viaggio fantastico. Atmosfere a metà fra lo scientifico e lo spirituale, fra il tecnologico e il mistico si alternano musicalmente, l'ascoltatore si trova immerso in atmosfere riflessive, contemplative per poi passare a momenti di pura esaltazione.
Niente ricerche, niente estremismi, The songs of distant earth non vuole essere altro che un viaggio entusiasmante.

Anno di pubblicazione: 1994
Titoli brani:

In the beginning

Let there be light

Supernova

Magellan

First landing

Oceania

Only time will tell

Prayer for the Earth

Lament for Atlantis

The chamber

Hibernaculum

Tubular world

The Shining Ones

Crystal clear

The sunken forest

Ascension

A new beginning

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REMEDY LANE - Pain of Salvation

2009-02-14T23:32:00.006+01:00

Ormai la strada per i Pain of Salvation è tracciata. Il loro stile è riconoscibile, il livello dei loro lavori molto alto, sia sotto l'aspetto artistico che tecnico-espressivo. Il loro pubblico si è "abituato bene" e non è sempre facile mantenere certi standard. Tuttavia il prerequisito principale di una prog band, a prescindere dal genere di appartenenza è quello di sapersi reinventare o per lo meno aggiungere qualcosa a quanto già fatto in passato, senza mai incorrere nel pericolo di ripetersi.
In questo disco i Pain of Salvation lavorano "di fino" su quanto di buono avevano fatto nel loro precedente lavoro, riprendendo gran parte dei temi musicali, rilavorandoli, rinnovandoli, donando ad essi nuova linfa. Ne esce un'opera di grande impatto emotivo, in grado di regalare all'ascoltatore momenti forti ed entusiasmanti.
Remedy Lane narra di eventi che hanno riguardato la vita personale di Daniel Gildenlow, cosa che ha portato il nostro piccolo genio a comporre brani più intimisti ma anche più viscerali, vibranti, intensi. Ne è uscito un altro ottimo disco, che alza ulteriormente il già elevato livello di eccellenza raggiunto da The Perfect Element. Un risultato che francamente era difficile aspettarsi ma questo è un gruppo che ci ha ormai abituato a sorprenderci.

Anno di pubblicazione: 2002
Titoli brani:

Of two beginnings

Ending theme

Fandango

A trace of blood

This heart of mine (I pledge)

Undertow

Rope ends

Chain sling

Dryad of the woods

Remedy lane

Waking every god

Second love

Beyond the pale

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MEN AND WOMEN - Simply Red

2009-01-07T12:54:00.004+01:00

Quel che di buono si era ascoltato nell'album di esordio Picture book, viene qui ripreso ed elaborato con un nuovo stile, confermando le doti di una band riuscita sotto tutti i punti di vista, creativo, tecnico e anche commerciale. Tutti i brani contenuti in Men and women sono orecchiabili, divertenti, da ballare o fischiettare e appaganti anche da un punto di vista lirico, dal momento che i testi trattano argomenti interessanti e non banali, a sfondo romantico ma anche sociale.
Colpisce l'esecuzione, impeccabile, studiata nei dettagli, i musicisti non si limitano a suonare i pezzi ma li interpretano cercando di dare un tocco personale, aspetto questo che rende i Simply Red un gruppo musicale più raffinato dei tanti altri loro simili. E` proprio questo che li rende una band a tutti gli effetti. L'invadente presenza di un cantante eccezionale come Hucknall rende fatalmente difficile la vita agli altri componenti, i quali infatti finiranno col vivere alla sua ombra. Questo triste destino però ancora non si vede in questo disco, il gruppo è compatto e ogni sua parte dà il meglio di sé, cosa che infatti porta a un ottimo risultato. Lo stesso non si può dire per i lavori seguenti, nei quali la coesione dei Simply Red si perde, portando a un peggioramento della qualità e paradossalmente a un maggior successo di pubblico.

Anno di pubblicazione: 1987
Titoli brani:

The right thing

Infidelity

Suffer

I won't feel bad

Every time we say goodbye

Let me have it all

Love fire

Move on out

Shine

Maybe someday

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IN CONCERTO, VOL. 1 e 2 - Fabrizio De André, P.F.M.

2008-12-26T19:25:00.009+01:00

Quello che può essere considerato uno dei migliori dischi live mai pubblicati è prima di tutto il risultato di un connubio eccezionale, un risultato il cui successo è proprio dovuto al fatto che il pubblico era infine pronto per esso.
L'eccezionale profondità lirica di De André infatti trova il suo completamento musicale nel rock progressivo della P.F.M., il quale non si limita ad accompagnare i celebri brani del cantautore genovese ma li sostiene, li amplifica, li proietta in una nuova dimensione, facendo acquistare ad essi un'energia e un impatto travolgenti. Fu la migliore dimostrazione di quanto la musica italiana, quando ben condotta, potesse tranquillamente stare al pari dei mostri sacri che al tempo imperversavano a pieno diritto sulla scena internazionale.
Ciò che stupisce più di tutto è la straordinaria compiutezza di questa opera, ancora più considerando il fatto che è stata eseguita su un palco davanti a un vasto pubblico. Il poeta e menestrello, delicato e romantico, che attraverso le casse dell'impianto stereo si introduce in casa nostra quasi in punta di piedi, chiedendo permesso, come avesse paura di disturbare, viene improvvisamente montato in spalla da un gruppo di ragazzacci i quali, dando fiato alle trombe con l'irruenza del rock, scuotono l'ascoltatore, inducendolo a sentire non più solo con le orecchie della mente e del cuore ma anche con quelle delle mani, delle braccia, della pancia, di tutto il corpo.
La magia è compiuta: la delicatezza della poesia, la potenza del rock, mischiate in dosi misurate, amalgama perfettamente riuscito, arte allo stato puro.

Anno di pubblicazione: 1979
Titoli brani:

Bocca di rosa

Andrea

Giugno '73

Un giudice

La guerra di Piero

Il pescatore

Zirichiltaggia

La canzone di Marinella

Volta la carta

Amico fragile

Avventura a Durango

Presentazione

Sally

Verranno a chiederti del nostro amore

Rimini

Via del campo

Maria nella bottega del falegname

Il testamento di Tito

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THE CITY - Vangelis

2008-12-09T23:28:00.003+01:00

Il fascino di una metropoli è quello di un essere vivente immenso e dai mille volti. Infiniti stimoli si offrono a chi si sofferma nel contemplarla. Se si ha l'occasione di osservarla con distacco, dall'esterno, senza venirne coinvolti, se ne può carpire l'essenza. Vangelis lo ha fatto, guardando una città in una giornata normale, come si comporta, come cambia col passare delle ore, le luci e le ombre che la illuminano e la oscurano.
Utilizzando suoni sintetici ottenuti dagli stessi rumori della metropoli, Vangelis descrive la giornata tipo di questa grande creatura, scrivendo dei pezzi in grado di trasportare chi ascolta nelle strade ancora deserte alle prime luci dell'alba, nell'ordinato andirivieni del mattino lavorativo, fino all'iper attivo centro affaristico, per poi spostarsi verso il sazio relax serale e la seducente notte brillante.
Vangelis è geniale nella sua espressività, evocativo e dinamico, malinconico e attraente. Un affresco dei tempi contemporanei, straordinariamente efficace.

Anno di pubblicazione: 1990
Titoli brani:

Dawn

Morning papers

Nerve centre

Side streets

Good to see you

Twilight

Red lights

Procession

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LUNA MATANA - Lucio Dalla

2008-11-25T23:29:00.004+01:00

Nel percorso artistico di un musicista, se c'è un reale interesse per la Musica in quanto tale, si arriva prima o poi a cercare nuovi stimoli, nuove idee, nuove direzioni. Se si possiede l'impagabile dono della curiosità, del desiderio di scoprire, non ci si può esimere dalla ricerca del nuovo.
Lucio Dalla, da par suo, non fa eccezione. Se da un lato ha saputo sfornare brani dotati di liriche vincenti, dall'altro è anche vero che il suo talento non può limitarsi a restare imbrigliato in sentieri già tracciati e percorsi innumerevoli volte. Viene così fuori la vena sperimentale, quella di chi sa e vuole fare musica davvero, che non si accontenta di mettere insieme due note ed ecco, la canzonetta è bella fatta.
Luna Matana è il risultato di un lavoro che va al di là di quanto visto in passato, è evidente lo sforzo compiuto dal cantautore bolognese nella ricerca di nuovi stili, nell'utilizzo di suoni innovativi, nelle strutture raffinate dei brani e nella ricercatezza dei testi. Ne esce un disco che richiede un ascolto più attento di quello che si riserverebbe a uno "normale", le cui peculiarità vengono fuori solo dopo numerosi ascolti.
Si può parlare di una maturità artistica di Dalla che però non lascia pensare che si tratti di un punto di arrivo, dell'apice della parabola oltre il quale non si potrà più andare. Al contrario, la sensazione netta è che questa sia addirittura una prova generale, un test per saggiare le vere potenzialità dell'artista, il quale sembra finalmente sciogliere i nodi di una corda che lo teneva imbrigliato e infine partire alla ricerca di nuovi lidi.
Insomma, Luna Matana sembra essere l'inizio di un nuovo corso, quello più congeniale a Dalla, quello che davvero fa emergere la sua caratura artistica e che fa capire come questo lavoro sarà il primo di una lunga serie. Ottimo antipasto per un banchetto che si preannuncia lungo e gustoso.

Anno di pubblicazione: 2001
Titoli brani:

Chi sarò io

Siciliano

La strada e la stella

Zingaro

Kamikaze

Serial killer

Domenico Sputo

Baggio Baggio

Anni luce

Notte americana

Agnese Dellecocomere

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LOVE SONGS - Elton John

2008-11-18T22:52:00.004+01:00

La forza di Elton John sta nel saper trovare sempre la via più diretta al cuore di chi ascolta. Non riguarda solo i testi ma anche la musica. Difficile, dopo aver fatto girare un suo disco qualche volta, non trovarsi a fischiettare questo o quel brano.
Questa piccola magia riesce grazie all'inesauribile creatività dell'artista inglese, nonché alla notevole preparazione tecnica, sia dal punto di vista dello strumento (il pianoforte) che della voce, grazie alla quale i suoi pezzi hanno quel qualcosa in più che li distingue dalle solite canzoni d'amore prodotte dall'industria discografica.
La canzone d'amore infatti non deve necessariamente essere banale. L'argomento è senza dubbio inflazionato, non v'è artista che non si sia sentito in dovere di dire la sua in materia. Tuttavia c'è spazio per chi vuole distinguersi e Elton John è uno che sa farlo.
La sua musica è sempre raffinata, come sa bene chiunque abbia tentato di cimentarsi nell'esecuzione, dietro un motivo orecchiabile e apparentemente semplice si nasconde sempre una scelta tecnico-stilistica ricercata, proprio ciò che rende interessanti le sue canzoni.
In questa raccolta le "love songs" sono tutte così, facili ma non scontate, la magia è riuscita ancora.

Anno di pubblicazione: 1982
Titoli brani:

Blue eyes

Little Jeannie

Sartorial eloquence

Shine on through

Chloe

Elton's song

Tonight

Song for guy

Sorry seems to be the hardest word

Princess

Chameleon

Return to paradise

Never gonna fall in love again

Strangers

Someone's final song

All quiet on the Western front

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PARADISE LOST - SymphonyX

2008-11-15T18:37:00.003+01:00

Questa volta mi devo sbilanciare. La situazione lo richiede.
Ebbene sì, ci troviamo di fronte al gruppo power metal DEFINITIVO. La potenza del metallo qui trova veramente la sua massima espressione, non si può chiedere di più. L'epica, la lirica, l'energia, unite a una tecnica esecutiva ai limiti del possibile portano i SymphonyX al vertice di questa espressione musicale. Ma è necessario andare ancora oltre. Un gruppo come questo non può rimanere costretto all'interno di una scatola sonora riprodotta da un impianto stereo, per quanto di qualità. E nemmeno il palco di un palazzetto dello sport rende giustizia alla loro arte.
Il posto giusto per i SymphonyX, signori, è il teatro dell'opera. Perché questa è la nuova espressione della lirica. I grandi capolavori che i maestri dell'Ottocento mettevano in scena trovano qui la loro discendenza, l'Opera lirica tratteggiata dalle forme espressive più sublimi che il metallo al giorno d'oggi è in grado di offrire.
L'heavy metal ha subito una trasformazione nel corso dei suoi ormai lunghi anni di onorata carriera. L'evoluzione che ha subito trova in gruppi come i SymphonyX l'espressione più perfetta. Libero da ogni costrizione di genere, Paradise Lost racchiude in sé un racconto, una storia epica che viene illustrata con una musica adeguata, in cui le contaminazioni "prog" costituiscono la spina dorsale di una struttura granitica ed esplosiva. Ne esce una vera e propria opera lirica, che per essere eseguita a dovere necessita di un'orchestra sinfonica, di un coro e di un corpo di ballo che possa coerentemente rappresentare ciò che chitarra, basso, batteria, tastiere e quell'incredibile prodotto della natura in forma vocale che è il cantante Russell Allen sono in grado di produrre. Ma mi guardo bene dal dare preferenze perché non se ne possono avere per questo quintetto di maestri.
Insomma, li abbiamo ascoltati nel nostro soggiorno, li abbiamo applauditi davanti al loro palco, è giunto il momento di alzare un nuovo sipario.

Anno di pubblicazione: 2007
Titoli brani:

Oculus ex inferni

Set the world on fire

Domination

Serpent's kiss

Paradise lost

Eve of seduction

The walls of Babylon

Seven

The sacrifice

Revelation (divus pennae ex tragoedia)

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BLADE RUNNER - Vangelis

2008-10-06T23:47:00.010+02:00

Il genio creativo di Vangelis raggiunge in questo album uno dei suoi vertici più alti. Uscito con notevole ritardo rispetto alla prima proiezione dell'omonimo film nelle sale cinematografiche, ne accompagna la seconda uscita, quella del director's cut, dando finalmente soddisfazione ai tanti fan che da anni ne chiedevano a gran voce la pubblicazione.
Non si può negare che buona parte del successo della pellicola deva esssere attribuita all'azzeccata colonna sonora dell'artista greco che ha saputo cogliere le atmosfere drammatiche, oniriche e cupe dell'ambientazione fantascientifica di Blade Runner. Molte sono le tracce che fanno ormai parte dell'immaginario collettivo, a partire dal celeberrimo “end titles”, la cui forza espressiva comunica tutto il dramma del film, il senso di urgenza, la corsa della fuga dal destino. E poi c'è l'opulenta “main titles”, grandiosa overture, con le famose fiammate che illuminano il tetro cielo di Los Angeles, “Love theme”, romantica e palpitante, “Blade Runner blues”, malinconica e disperata, fino alla struggente “memories of green”, vero capolavoro di Vangelis, dove un pianoforte scordato letteralmente piange note, ricordando un passato fatto di verdi speranze, naufragato però in un nero presente.
Si tratta di un disco che va oltre la semplice colonna sonora, poiché non si limita a dare un commento al film ma ne rappresenta parte integrante e come tale vive di vita propria, anche estrapolato dal contesto, ricco di una carica espressiva in grado di renderlo un'opera indipendente di rara bellezza.

Anno di pubblicazione: 1994
Titoli brani:

Main titles

Blush response

Wait for me

Rachel's song

Love theme

One more kiss, dear

Blade Runner blues

Memories of green

Tales of the future

Damask Rose

Blade Runner (end titles)

Tears in rain

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Leggi anche la nostra recensione sulla raccolta di racconti "Visioni dal futuro" di Philip K. Dick
Leggi la nostra recensione sul film Blade Runner

THE PERFECT ELEMENT PT.1 - Pain of Salvation

2008-09-17T22:20:00.004+02:00

I Pain of Salvation hanno ormai raggiunto la piena maturità e la consacrazione in ambito internazionale. A differenza di molti che tendono ad adagiarsi sugli allori, i nostri eroi non si fermano ma proseguono sulla loro strada, lavorando a nuove idee e nuovi progetti. Nasce così The Perfect Element, uno dei lavori più riusciti del gruppo. Tematiche torbide, fatte di sofferenza, di drammi familiari, della ricerca di una via d'uscita.
L'impatto sonoro è a tratti devastante, quel che serve ad esprimere ciò che il gruppo intende raccontare ma anche qui i cambi repentini, i salti di corsia, le piroette strumentali sono disseminate ovunque. La caratura tecnica arriva a vertici in cui pochi si possono confrontare. Questo disco è semplicemente straordinario.

Anno di pubblicazione: 2000
Titoli brani:

Used

In the flesh

Ashes

Morning on earth

Idioglossia

Her voices

Dedication

King of loss

Reconciliation

Song for the innocent

Falling

The perfect element

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SYSTEMATIC CHAOS - Dream Theater

2008-09-13T15:53:00.006+02:00

Con questo album i Dream Theater ritrovano finalmente una vena creativa che nei lavori precedenti andava a singhiozzo. La sensazione è che abbiano una volta per tutte messo da parte certe scelte stilistiche che sembravano non tanto dettate da precise intenzioni artistiche bensì espedienti per dimostrare quanto fossero belli e bravi. Stiamo parlando di un nome che calca le scene da un ventennio e, nonostante qualche cambio di line-up, la caratura tecnica non è mai stata messa in discussione, di conseguenza è inutile insistere con certe dimostrazioni di forza, così come è anche inutile da parte di chi ascolta, perdere ore in inutili discussioni sulla necessità o meno di inserire un certo assolo, di usare un certo tempo, di allungare o accorciare certe partiture.
I Dream Theater hanno fatto della tecnica musicale una ragione di vita, quindi chi afferma che i loro pezzi sono troppo tecnici mi lascia quanto meno perplesso. E` logico che lo siano, d'altronde nessuno chiederebbe a Frank Sinatra di limitarsi a suonare uno strumento e smettere di cantare.
Detto questo, se è vero che, come in tutti i precedenti, anche in questo album la tecnica la fa da padrona, è anche vero che la stessa è giustamente messa al servizio dello svolgimento dei brani, senza dare l'impressione, come è capitato in passato, di essere un puro esercizio di stile per i motivi detti sopra.
Systematic chaos è un album dalle tinte bibliche, direi quasi dantesche, per i temi trattati, di certo ispirati dagli avvenimenti internazionali degli ultimi anni in cui l'America è coinvolta in prima persona. I nostri cercano di dare voce alla loro maniera a una coscienza popolare sempre più stordita di fronte all'odio imperante che permea questa nostra epoca. Ne escono ritratti a tinte fosche, dove non c'è spazio se non per brevi sprazzi di luce, insufficienti a rischiarare una scena che, se proprio non si può definire pessimistica, risulta essere incerta, preoccupante, a tratti disperata.
Immagini ben descritte da testi non troppo contorti, in alcuni momenti ruvidi, si riscopre quella vena giustamente drammatico-teatrale, tipica di certi vecchi e ben riusciti lavori. I momenti prettamente strumentali sono come sempre devastanti, in questo album forse più che in tutti quelli passati o per lo meno si arriva molto vicino al punto di “sopraffazione” acustica, acuiti da una registrazione granitica. I suoni sono tutti ben bilanciati, anche se, come accade di frequente, chitarra e batteria vengono messi un po' troppo in risalto (sembra di vedere il buon vecchio Mike mentre picchia come un fabbro sui suoi tamburi trasparenti nel centro del palco, con quel fare da sbruffone scanzonato che, inutile dirlo, ci piace assai), dando la possibilità di gustare per bene gli arzigogoli che i nostri tracciano nell'aria con disarmante facilità.
Ripeto però che questo ormai non è più l'aspetto più evidente del gruppo. Sono passati i tempi in cui ci si scambiava i loro dischi dicendo, “senti questi, che manici!”, il tempo della maturità è ormai giunto e non ci resta che goderci il lavoro di un gruppo completo sotto tutti i punti di vista.

Anno di pubblicazione: 2007
Titoli brani:

In the presence of enemies - part I

Forsaken

Constant motion

The dark eternal night

Repentance

Prophets of war

The ministry of lost souls

In the presence of enemies - part II

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CAMERA OSCURA - Hana-b

2008-09-03T11:52:00.007+02:00

Il panorama musicale italiano ha conosciuto negli ultimi anni un rinnovato periodo di splendore, grazie al fiorire di nuove proposte, fresche di idee e di immagine. Occorre però distinguere fra le vere invenzioni e le semplici operazioni commerciali, a base di gruppi costruiti a tavolino e brani confezionati come panettoni natalizi.
Da questo punto di vista gli Hana-b non deludono. A fronte di un'immagine molto moderna e modaiola, propongono un sound in stile britannico, col quale costruiscono pezzi orecchiabili ma non banali, che sanno catturare chi ascolta e comunicare emozioni.
A differenza di altri gruppi simili nello stile, gli Hana-b in Camera oscura intendono esporre un pensiero che corre lungo tutto l'album, che non ha niente a che fare con i soliti, noiosi racconti delle pene amorose tipiche di queste band ma che, al contrario, affronta senza paura temi delicati come la maturazione, il distacco dall'adolescenza, il malessere di chi si rende conto che sta crescendo e si sente tremendamente inadeguato. C'è però un elemento che salva queste storie da un puerile lamento inconcludente, cioè una coraggiosa spinta ad affrontare l'avvenire e le sfide che ci si parano innanzi, senza l'incedere di uno spacca-montagne bensì un passo per volta, con la coscienza di chi sa di non essere un superuomo e tuttavia decide di scommettere su se stesso.
Questo disco è l'ennesima dimostrazione, se ancora ce ne fosse bisogno, di quanto ricco sia il sottobosco musicale di casa nostra e di come, tanto per cambiare, esso faccia fatica ad emergere, soffocato dai soliti nomi, incapaci ormai di proporre idee altrettanto innovative ma in grado solamente di mantenersi, arroccato in uno sterile edonismo.
Non resta quindi che incoraggiare chi tenta di uscire dal coro per proporre al pubblico nuovi stimoli e punti di vista. Gli stessi stimoli che proprio il pubblico fatica a ritrovare. Come si vede, però, il materiale c'è, va riscoperto il desiderio di andarlo nuovamente a cercare.

Anno di pubblicazione: 2005
Titoli brani:

Oggi resto in casa

La stanza

Rivoluzione innocua

In vortice

Avvolto(i) di cera

Nervi

Niente più

Eleanor Rigby

Autoemozionalità

Non sanguinare mai più

Spicco il volo

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VOGLIO PROPRIO ESAGERARE - Vasco Rossi

2008-08-23T01:11:00.008+02:00

Al di là di tutto quello che si è detto e scritto su questo artista, restano tre decenni di successi che poggiano su basi solidissime. Anche coloro che non hanno mai potuto soffrire Vasco Rossi per i suoi atteggiamenti, le sue esagerazioni e anche per ciò che dice nelle sue canzoni, non possono negare l'evidenza. Non si può infatti ottenere un seguito numeroso come il suo per così tanto tempo grazie a qualche canzonetta ben riuscita e un paio di concerti coinvolgenti.
La verità è che abbiamo a che fare con un artista completo, dotato di una voce inconfondibile, capace di costruire un rapporto col proprio pubblico che, ne sono certo, molti gli invidiano ma che, soprattutto, scrive canzoni in grado di raggiungere coloro che le ascoltano toccando le corde più sensibili. E lo fa senza consumarsi in testi che parlano dei massimi sistemi, Vasco racconta storie semplici, quotidiane, parla dei propri sogni e del proprio disagio, quello di una generazione che vorrebbe esprimersi ma non riesce a farlo, che ripudia le regole imposte da una società bacchettona e intransigente perché non vi si identifica ma allo stesso non riesce a combatterla e la subisce. Da qui quel senso di frustrazione, di insoddisfazione che però non scade nel drammatico ma mantiene quel sapore dolce amaro tipico della migliore tradizione nostrana.
Voglio proprio esagerare è una vecchia raccolta di brani, relativi al primo decennio di attività, forse quello più significativo da un punto di vista artistico, quello che lo vede in netta contrapposizione con il mondo in cui vive, lo stesso che oggi ha finito col metabolizzarlo. Vasco Rossi non è più un fastidioso e antipatico personaggio, è un famoso cantautore che riempe gli stadi e vende dischi a quintali perché fa belle canzoni. Ma sono proprio queste canzoni che rimangono e rimarranno, il loro messaggio, le emozioni che trasmettono ormai ci sono e, come tutte le opere d'arte, continueranno ad esserci per chi saprà ascoltare.

Anno di pubblicazione: 1993
Titoli brani:

Albachiara (Live)

(Per quello che ho da fare) Faccio il militare

Colpa d'Alfredo (Live)

Ciao

Vita spericolata

Ridere di te

Bollicine

Splendida giornata

Dormi dormi

Brava

Vado Al Massimo

Non L'Hai Mica Capito

Non L'Hai Mica Capito

Cosa C'è

Una Nuova Canzone Per Lei

Deviazioni

Ogni Volta

C'è Chi Dice No

Mi Piaci Perchè

Voglio Andare Al Mare

Amore Aiuto

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LA MIA GENERAZIONE HA PERSO - Giorgio Gaber

2008-08-14T23:46:00.003+02:00

Quanta amarezza in questo album. A partire dalla copertina, in cui campeggia il volto di un artista disilluso, che tenta anche di abbozzare un sorriso ironico, quello che forse lo caratterizza maggiormente ma che ormai egli stesso fa fatica a trovare.
Gaber denuncia la sconfitta di una generazione che non è riuscita a conquistare ciò per cui ha lottato. E lo fa con un'ironia pungente, con un sarcasmo tagliente, spietato, che non nasce dalla semplice delusione della sconfitta bensì dal modo con cui essa è maturata. La generazione di Gaber non ha perso con onore, semplicemente si è spenta, soffocata dalla propria stessa inettitudine e lui, come è logico, non può che puntare il dito, denunciarlo, costringere il malessere latente che ne è nato a venire allo scoperto, come un'infezione, un pus.
Si può sorridere ascoltando Gaber ma si prova anche un certo disagio quando si scopre che, di quella generazione, si faceva parte e si è fatta la stessa fine di tutti gli altri.
Cosa resta di tanta amarezza? Un incolmabile senso di perdita, un rimpianto sconfortante? Forse. Ma perché allora, anche nel momento più malinconico, il grande artista conserva sempre quella traccia dell'antico combattente, quel guizzo che, anche solo per un istante, giunge come un cambio di passo? Si ha la sensazione che tanto cinismo in realtà sia più una maschera, un riparo per proteggersi dalla sofferenza e che basterebbe anche solo un cenno per togliersi di dosso i panni dello sconfitto.
La mia generazione ha perso non è una semplice raccolta di canzoni. E` la testimonianza, si potrebbe dire quasi il lascito, l'eredità di un grande artista, del suo pensiero, della sua intelligenza quale è stato Giorgio Gaber.

Anno di pubblicazione: 2001
Titoli brani:

Si può

Verso il terzo millennio

Il conformista

Quando sarò capace d'amare

La razza in estinzione

Canzone dell'appartenenza

Il potere dei più buoni

Un uomo e una donna

Destra - sinistra

Il desiderio

L'obeso

Qualcuno era comunista

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SOUNDTRACK 96 06 - Elisa

2008-08-13T00:23:00.008+02:00

Questo è un ottimo esempio di quello che io considero il rock “al femminile”. Non intendo certo assegnare una nuova definizione musicale né tanto meno annunciare la nascita di un genere. Si tratta di una sensazione del tutto personale, che nasce dall'ascolto di un'esecuzione strumentale di impronta rock, quindi dinamica, aggressiva, unita a un timbro di voce molto delicato, a tratti angelico. Un mix rafforzato ancor più dalle liriche, decise, passionali, romantiche.
La musica di Elisa non richiama alla mente la forza della roccia granitica che si erge a difesa dei valori in cui crede, piuttosto quella dell'albero sottile che si piega sotto la forza del vento ma resiste ben saldo sul terreno. E` lo sguardo fermo del coraggioso, i denti stretti di chi trattiene le lacrime, l'urlo di gioia di chi ha vinto. Non è necessario esser grandi e grossi per esser forti. Una carezza può esser pesante quanto un pugno, un sussurro assordante quanto un grido.
Soundtrack è un concentrato di emozioni, pezzi orecchiabili, leggeri, si alternano a momenti toccanti, che meritano un ascolto più attento. Il meglio dell'artista, almeno fino a oggi.

Anno di pubblicazione: 2006
Titoli brani:

Stay

Gli ostacoli del cuore

Broken

Swan

Labirinth

Together

Gift

Almeno tu nell’universo

Heaven Out of Hell

Dancing

Una poesia anche per te

A feast for me

Sleeping in your hand

Luce (Tramonti a nord est)

Rainbow

Eppure Sentire (un senso di te)

Qualcosa che non c’è

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NON TI SCORDAR MAI DI ME - Giusy Ferreri

2008-07-05T12:26:00.008+02:00

Non ti Scordar mai di me di Giusy Ferreri è un operazione commerciale un po' furbetta, ma sicuramente riuscita.
L'arrangiamento del brano, scritto da Tiziano Ferro, richiama in maniera non troppo velata i successi della britannica Amy Winehouse. Lo stesso testo, che sicuramente non brilla per originalità, si pone come unico obiettivo quello di entrare e restare nella testa degli ascoltatori, come un buon tormentone deve fare.
Ma la voce di Giusy, seconda classificata alla prima edizione italiana di Xfactor, è potente e particolare e rende il brano affascinante e piacevole, non noioso anche dopo innumerevoli ascolti.
Rimane la voglia e la curiosità di sentire ancora la voce di Giusy alla prese, possibilmente, con brani più corposi e meno banali.

Anno di pubblicazione: 2008

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SECOND TOUGHEST IN THE INFANTS - Underworld

2008-07-01T22:23:00.007+02:00

Il mondo sotterraneo è quello in cui gli Underworld vogliono portarci. Non si riferiscono tanto a uno spazio fisico quanto mentale, quello che c'è a cavallo fra il sogno e la realtà, quel mix dove non si capisce quanto di vero si stia vivendo e quanto invece sia frutto della nostra immaginazione.
La musica degli Underworld conduce all'oblio di se stessi, a uno stato di abbandono, provocato dal ritmo veloce, dal riff ossessivo, dal motivo cantilenante, che intorpidisce i sensi. Quando il distacco dalla realtà si compie, ecco che accediamo al mondo alternativo, gli Underworld ne sono i custodi, sono loro che aprono la porta.
Second toughest in the infants è probabilmente l'album della maturità, nel quale tra l'altro verrà inserito, in una seconda pubblicazione, un disco aggiuntivo sul quale sono presenti altre due tracce (almeno nell'edizione italiana) fra le quali la famosa “Born slippy/Nuxx” che li ha portati al successo mondiale.
Musica ricca, curata nel dettaglio, mai banale, che si esprime spesso in lunghe tracce di chiara ispirazione “progressive”. Un disco interessante, divertente da ascoltare anche ad alto volume (vicini permettendo).

Anno di pubblicazione: 1996
Titoli brani:

Juanita/Kiteless/To dream of love

Banstyle/Sappys curry

Confusion the waitress

Rowla

Pearls girl

Air towel

Blueski

Stagger

Born slippy (nuxx)

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STUDIO COLLECTION LE ORIGINI - Pino Daniele

2008-06-29T23:48:00.004+02:00

C'è la Napoli della Tarantella, di Totò, della pizza e di tutti quei luoghi comuni che conosciamo. In effetti ogni città, ogni luogo sulla terra viene visto dall'esterno attraverso certi stereotipi che, nonostante tutto, resistono al tempo. Poi però, puntualmente, quando si ha l'occasione di approfondire di persona o parlando con qualcuno che in quel posto ci vive, viene fuori qualcosa di diverso, dove, sì è vero, c'è anche la pizza e la Tarantella ma sono solo la punta dell'iceberg, la parte più evidente. Sotto c'è molto di più. Anche di più bello ma pure di più brutto.
E` questo che Pino Daniele sembra volerci dire nei suoi brani. Pino canta spesso in dialetto o misto con l'italiano e apparentemente sembra anche lui finire vittima dei cliché di cui si è detto. Ma basta ascoltare la sua musica per capire subito che la sua è un'altra direzione. Il blues si adatta alla grande alla sua città.
In questa Studio collection, nel libretto, c'è una foto in cui si vede Napoli attraverso la finestra di qualcuno che guarda di sotto. Si affaccia su una strada, con tante automobili, il traffico cittadino, l'insegna di una tavola calda, i bus, i balconi degli altri palazzi. Questa è la Napoli di cui Pino ci parla, fatta di gente che si muove, che lavora, che vive i suoi problemi, che insegue le proprie speranze.
Pino Daniele ama la propria città, tanto da soffrirne, si arrabbia, si dispera, agita i pugni e sospira. Egli ci parla di una speranza, di quando un giorno, le cose per Napoli cambieranno. Purtroppo quel giorno non è oggi, forse sarà domani o chissà.

Anno di pubblicazione: 2000
Titoli brani:

Quanno chiove

'Na tazzulella 'e cafè

Je so' pazzo

A me me piace 'o blues

Napule è

Terra mia

Che calore

Cammina cammina

Chi po dicere

Jé sto' vicino a te

Basta na jurnata e sole

Ue man!

Viento

E cerca 'e me capì

I say i'sto cca'

Musica musica

Puozze passà nu guaio

Voglio di più

E so cuntento 'e stà

Nun me scoccià

Alleria

Il mare

Libertà

Fortunato

A testa in giù

Chi tene 'o mare

Maronna mia

Ce sta chi ce penza

Chillo è nu buono guaglione

Putesse essere allero

Appocundria

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SYNCHRONICITY - The Police

2008-06-25T23:03:00.005+02:00

Ultimo album scritto dalla band, ne rappresenta forse anche il culmine. Perfetto da un punto di vista tecnico-stilistico, si conferma sui consueti alti livelli anche da un punto di vista compositivo e lirico. I lavori dei Police, per quanto in grado di scalare le classifiche grazie alla loro immediatezza, non sono mai banali. Il trio è dotato di una forte connotazione espressiva, il sound del gruppo è inconfondibile e fa ancora scuola. I testi, frutto della creatività di Sting, si soffermano sulle incertezze dell'individuo, ne mettono in evidenza i limiti, le lacune, l'incapacità di affrontare il proprio futuro. L'uomo è un essere sperduto, che non ha più punti fermi, che si aggrappa disperatamente a ciò che possiede, piombando nell'ossessione, quasi nel patologico.
Il singolo Every breath you take è ormai un classico del genere, brano stupendo, disarmante ma è tutto il disco a colpire per la ricchezza di idee, per quanto è in grado di comunicare, aspetto sorprendente di per sé, considerando che non sono molte le band in grado di mantenere a lungo una vena creativa così convincente.
Resta il rammarico per il conseguente scioglimento del gruppo, anche se in molti sperano in una rinascita dopo la recente re-union. Di certo, se mai fosse, inevitabile sarà il confronto con i vecchi album, un'impresa tutt'altro che facile.

Anno di pubblicazione: 1983
Titoli brani:

Synchronicity I

Walking in your footsteps

O my God

Mother

Miss Gradenko

Synchronicity II

Every breath you take

King of pain

Wrapped around your finger

Tea in the Sahara

Murder by numbers

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FLASHBACK - Enzo Jannacci

2008-06-21T01:02:00.007+02:00

La musica italiana ha subito molti cambiamenti negli ultimi anni. C'è una netta differenza fra ciò che si ascolta oggi e ciò che si ascoltava a Sanremo negli anni '50. Limitandoci a considerare gli artisti di grande successo, si potrebbe dire che siamo arrivati a suonare la musica che in Gran Bretagna o negli Stati Uniti si suonava già almeno quarant'anni fa. Da un lato si potrebbe considerare un segno di maturità, ci siamo lasciati alle spalle una sorta di provincialismo che ci confinava in uno spazio ristretto, d'altro canto però ci siamo forse uniformati a quanto fatto da altri, senza una vera spinta, se non proprio rivoluzionaria, almeno evoluzionista.
Forse abbiamo perso un'occasione e non ce ne siamo nemmeno accorti. Già, perché c'è chi di quel provincialismo aveva fatto il proprio punto di forza, dando vita a uno stile del tutto personale e praticamente inimitabile.
Jannacci è uno di questi. La sua musica è schietta, sincera, è come un vino di cantina ma proprio per questo privo di fronzoli e di conseguenza diretto, immediato. Enzo ci racconta storie di vita quotidiana, come se fossimo tutti al bar a bere un quartino e lui a intrattenerci. C'è da ridere, c'è da commuoversi, a volte da riflettere, altre da sdegnarsi. Sì perché le storie di Jannacci non riguardano qualche struggente rapporto amoroso, un tradimento o altre vicende di cuore. I protagonisti sono gente che lavora, gente che sogna una vita migliore, che ne viene travolto provandoci, che non potrà ottenerla perché un'ingiustizia glielo impedisce. Tutto viene raccontato con il più classico stile “all'italiana”, cioè con quel sapore agrodolce che ci fa sorridere fra le lacrime, con l'aggiunta dell'impronta dialettale che rende ancora di più la dimensione quotidiana.
Enzo Jannacci parla di eroi, quelli veri, quelli che non si vedono, che fanno parte dello sfondo ma senza i quali il palco non sta in piedi. Per questo è bello ascoltare Jannacci, perché parla di noi.

Anno di pubblicazione: 2001
Titoli brani:

Vengo anch'io no tu no

Giovanni telegrafista

Faceva il palo

Bobo Merenda

Domenica 24 marzo

Gli zingari

Hai pensato mai

Ho visto un re

Non finirà mai

Messico e nuvole

El portava i scarp del tennis

Ragazzo padre

Pedro Pedreiro

Il dritto

L'Armando

Ci vuole orecchio

Musical

Son s'cioppaa

Se me lo dicevi prima

Silvano

Mario

Bartali

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LOVE OVER GOLD - Dire Straits

2008-06-10T23:25:00.006+02:00

La traccia n° 1 di questo disco basterebbe da sola a giustificarne l'acquisto. La "strada del telegrafo" è forse il più bel pezzo in assoluto che Knopfler e compagni abbiano mai composto. Vi si racconta una storia ed è così ben raccontata da essere commovente. La musica fa esattamente ciò che deve fare, cioé descrivere quanto viene cantato, aprendo il sipario, dipigendo un fondale e tratteggiando un ritratto o meglio un affresco con efficacia e immediatezza. E` una piccola suite e non potrebbe essere altrimenti, visto che non si parla di un episodio, di un momento ma, si potrebbe dire, di un'epopea. Tutta la forza che il rock degli Straits è in grado di esprimere, viene qui portata ai massimi livelli e su tutti i reparti, quello creativo in primo luogo ma anche quello tecnico, aspetto non nuovo per i Dire Straits ma che in questo caso raggiunge l'apice.
In "Love over gold" il gruppo prende apertamente posizione dal punto di vista ideologico, si parla di temi a sfondo sociale, si denunciano ingiustizie, emerge una profonda amarezza, uno scontento che sfociano nella netta protesta e denuncia, nei confronti di un mondo che non si cura di coloro che non hanno i mezzi per sopravvivere e che vengono travolti da un consumismo sempre più spietato.
Con questo disco i Dire Straits consacrano se stessi al puro Rock, quello con la "R" maiuscola.

Anno di pubblicazione: 1982
Titoli brani:

Telegraph road

Private investigations

Industrial desease

Love over gold

It never rains

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LIFEFORMS - Future sound of London

2008-05-22T00:08:00.011+02:00

Immaginate di vedere il mondo attraverso lenti speciali, in grado di capovolgerlo, cambiarne i colori, le forme e la prospettiva. Questo è quanto intendono fare i Future sound of London con la loro musica.
Questi due tecnocrati trasformano tutto ciò che è in grado di sollecitare l'apparato uditivo umano in una forma d'onda digitalizzata, per piegarla ai propri deliranti desideri e produrre così paesaggi alieni e alienanti. Le “forme di vita” del disco altro non sono che quelle cui essi danno vita con i propri suoni, compreso l'ambiente in cui vivono. Luci accecanti e oscurità spaventose, orizzonti sperduti e confini claustrofobici, percorsi cosmici e viaggi al microscopio, qui non c'è posto per il già visto, i Future sound of London, come dice il loro nome, ci portano lontano, in luoghi sconosciuti dove nessuno è mai stato prima, dove un giorno si arriverà ma non oggi.
Essi offrono una finestra sul mondo di domani e lo fanno con una tecnologia esasperata, c'è davvero da restare di stucco di fronte alla maniacale cura nella ricerca del sound, un disco del genere non si fa in cinque minuti e parimenti non si può ascoltare per passatempo. Quando si preme il tasto “play”, ciò che raggiunge i padiglioni auricolari è qualcosa di intrigante, affascinante e anche disturbante: o lo si ascolta attentamente, nello sforzo di decifrarlo o lo si abbandona, non esistono vie di mezzo.
Per chi decide di ascoltare, preparatevi a un viaggio straordinario, ne varrà la pena.

Anno di pubblicazione: 1994
Titoli brani:

Cascade

Ill flower

Flak

Bird wings

Dead skin cells

Lifeforms

Eggshell

Among myselves

Domain

Spineless jelly

Interstat

Vertical pig

Cerebral

Life form ends

Omnipresence

Room 208

Elaborate burn

Little brother

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HEAVEN AND HELL - Vangelis

2008-05-21T23:56:00.011+02:00

Sulla copertina di questo disco si vedono due mani dotate di ali scendere dal cielo e imporsi con grazia sulla tastiera di un pianoforte, come se Dio avesse deciso di mettere in musica le proprie sensazioni. Ebbene, senza voler andare sul blasfemo, si può ben dire che quella del grande artista greco sia musica celestiale.
Negli anni giovani della sua lunga carriera, Vangelis si cimenta nientemeno con l'impegnativa descrizione del Paradiso e dell'Inferno. Novello Dante, Vangelis descrive ciò che egli immagina pensando alle infinite altezze divine o alle oscure profondità maligne. Ne esce un lavoro stupefacente, forse uno dei più comunicativi del Maestro, in grado di raggiungere l'ascoltatore con tutta la sua immediatezza.
Scene gloriose, cariche di luce per il Paradiso, la potenza divina si mostra in tutta la sua grandezza, sublime, a tratti persino paurosa, minaccia di travolgerci, ci spaventa ma non ci induce alla fuga, bensì all'ammirazione.
E' notte fonda invece all'Inferno, il buio avvolge i sensi, una quantità di suoni inquietanti giunge alle nostre orecchie, da ogni direzione e da ogni distanza, ci si sente minacciati, osservati e, proprio quando decidiamo che è il caso di allontanarci da un posto tanto pauroso, scopriamo di essere intrappolati, peggio ancora, vediamo e soprattutto sentiamo l'orda infernale farsi avanti e venire verso di noi, per punire l'irriverente intruso e spaventarlo a morte con gli orrori di cui la bolgia pullula.
Si tratta di un'esperienza straordinaria, intervallata da un brano di una delicatezza tutta particolare, dove la sconcertante voce di Jon Anderson (Yes) sale in cattedra e ci accompagna sulle note di Vangelis, cosa che farà successivamente in tanti altri dischi.
In definitiva, Vangelis, con Heaven and Hell, è in uno dei suoi momenti migliori.

Anno di pubblicazione: 1975
Titoli brani:

Heaven and Hell part I

So long ago, so clear

Heaven and Hell part II

Ulteriori informazioni su Vangelis
Visita il sito di Jon Anderson
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ONE HOUR BY THE CONCRETE LAKE - Pain of salvation

2008-05-17T16:15:00.008+02:00

Il fenomeno Pain of Salvation è cominciato e nessuno potrà più fermarlo. Dopo l'album di esordio, il gruppo ha preso coscienza delle proprie potenzialità e le sviluppa per passare a una fase più matura. Ciò che in Entropia appariva come materia grezza e incandescente, qui viene lavorata, plasmata, fino ad ottenerne un'opera d'arte. Le tematiche sono sempre impegnative, non ci si può accostare a un disco dei Pain of Salvation con leggerezza.
L'ambiente in cui One Hour By The Concrete Lake ci conduce è fatto di fredde lande desolate, di una società arida, che chiude gli occhi per non essere costretta a prendere atto delle proprie contraddizioni. C'è un senso di risentimento nei confronti del mondo intero, che spesso sfocia in un ironico cinismo e tanta frustrazione. Si battono pugni sul tavolo, si prende la gente per la collottola, insomma, si fa Metal. Urlando la propria rabbia, sulle sponde del lago di cemento.

Anno di pubblicazione: 1998
Titoli brani:

Spirit of the land

Inside

The Big Machine

New year's Eve

Handful of nothing

Water

Home

Black hills

Pilgrim

Shore serenity

Inside out

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ENTROPIA - Pain of salvation

2008-05-17T15:54:00.007+02:00

Quello che abbiamo fra le mani è un disco speciale, perché è il primo di una serie di opere di livello eccezionale. Abbiamo a che fare con uno dei gruppi prog metal più significativi della scena internazionale, il cui leader, Daniel Gildenlow è, a mio giudizio, un vero e proprio genio musicale.
I Pain of Salvation mettono la musica al servizio delle proprie emozioni, emozioni spesso violente, drastiche, fatte di alti e bassi, di chiaro-scuri, di momenti dolci alternati ad altri brutali, in modo repentino, spesso sorprendente.
Ascoltare un disco dei Pain of Salvation è come andare sulle montagne russe e quando si è giunti alla fine, ci si ritrova senza fiato. Emozioni, che in questo loro primo disco, sono particolarmente vivide. Perché Entropia gode della freschezza, genuinità, anche ingenuità, di un gruppo che, come materia vulcanica grezza, come un ruscello appena sgorgato, irrompe con entusiasmo nella scena e travolge l'ascoltatore con la sua energia.
Energia che, nel tempo, verrà incanalata, sapientemente, piegata all'intelligenza e portata alla massima potenza, per dare vita a una collezione di album uno più bello dell'altro. Entropia ne è l'antipasto.

Anno di pubblicazione: 1997
Titoli brani:

! (Foreword)

Welcome To Entropia

Winning A War

People Passing By

Oblivion Ocean

Stress

Revival

Void Of Her

To The End

Circles

Nightmist

Plains of dawn

Leaving entropia (epilogue)

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FIREWORKS - Angra

2008-05-10T01:12:00.005+02:00

Tutto ciò che era stato fatto di buono nei dischi precedenti, in questo lavoro viene perso per strada. Gli Angra sono in piena crisi creativa, tentano di dare forma a un lavoro che loro stessi non riescono a visualizzare. La voglia di divertirsi e di comunicare che si era sentita in passato, qui stenta ad emergere, i brani sono sì interessanti e pregevolmente eseguiti (la caratura tecnica del gruppo non è calata ma anzi si conferma sui consueti alti livelli) ma manca quel guizzo creativo in grado di stupire e coinvolgere. Resta un sound potente, più aggressivo e ruvido ma che non gli appartiene.
Fireworks è l'ultimo album scritto dalla formazione originale, di lì a poco infatti la band si scioglierà per essere ricostituita da due dei cinque componenti. Viene da chiedersi se questo lavoro, più sottotono rispetto ai precedenti, avesse subito le influenze negative che portarono gli Angra allo sfascio.

Anno di pubblicazione: 1998
Titoli brani:

Wings of reality

Petrified eyes

Lisbon

Metal Icarus

Paradise

Mystery machine

Fireworks

Extreme dream

Gentle change

Speed

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HOLY LAND - Angra

2008-05-10T00:46:00.007+02:00

Questo per gli Angra prima maniera è il disco della conferma. Sonorità e tematiche vengono espresse con convinzione, il gruppo dà prova di aver trovato la propria strada, proponendo un impostazione potente e melodica con influenze latine più che evidenti ma perfettamente integrate.
Holy Land è un album godibile, ricco di spunti, di brani orecchiabili ma non banali, in cui gli Angra esprimono le loro idee, con chiarezza e precisione, la musica scorre su binari dritti e veloci, senza incertezze, senza arzigogoli complicati che finirebbero col far perdere di vista la destinazione.
Un'ottima prova, da molti considerata la migliore in assoluto.

Anno di pubblicazione: 1996
Titoli brani:

Crossing

Nothing to say

Silence and distance

Carolina IV

Holy land

The shaman

Make believe

Z.I.T.O.

Deep blue

Lullaby for Lucifer

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ARK - Ark

2008-05-09T01:02:00.007+02:00

Fra le perdite che la scena progressive metal internazionale ha subito nel tempo, questa è di certo una delle più gravi. Il trio degli Ark, di cui la band era inizialmente composta, era stato in grado infatti di dare alla luce un lavoro fra i più interessanti degli ultimi dieci anni, al quale ne era seguito un altro di altissimo livello (tra l'altro con l'inserimento di altri due elementi in formazione), dopodiché il silenzio.
Il primo album che prende il nome dal gruppo stesso è così ricco di spunti che francamente è difficile decidere da che parte cominciare. La verità è che, racchiuso in unico lavoro, c'è veramente di tutto, tanto che viene il dubbio se sia corretto applicare un'etichetta a un lavoro come questo. Gli Ark sono eccezionali sia a livello compositivo che esecutivo, il loro stile è aggressivo ma anche dolce, drammatico ma anche ironico, carezzevoli momenti di tenerezza si alternano a brutali sfoghi di rabbia, immagini solari prendono il posto di paesaggi oscuri e disperati.
Questo è un disco che si può ascoltare per ore, senza stancare, vuoi per la bellezza dei brani, vuoi per la bravura degli esecutori (fra i quali spicca l'incredibile voce di un Jorn Lande “apocalittico”). E` davvero un peccato che una band così riuscita abbia avuto vita così breve.

Anno di pubblicazione: 2000
Titoli brani:

Burning down

Where the winds blow

The hunchback of Notre Dame

Singers at the world's dawn

Mother love

Center avenue

Can't let go

PICTURE BOOK - Simply Red

2008-05-09T00:46:00.005+02:00

Picture Book contiene tutto ciò che un artista di successo può desiderare. Dieci brani che si insinuano nei tuoi ricordi per rimanerci in pianta stabile, orecchiabili, divertenti, dinamici, brani che “non perdonano” perché riescono con una facilità disarmante a raggiungere l'obiettivo: piacere al proprio pubblico. Tutto merito di una band giovane, spumeggiante, questi Simply Red sono dei veri fuoriclasse, esecutori impeccabili ma soprattutto brillanti perché hanno un loro stile, tutt'altro che banali, anni luce distanti dai vari gruppi pop ai quali troppi troppo frettolosamente li vogliono assimilare.
Qui c'è da ballare, da alzare il volume, da godere delle doti tecniche di sei mostriciattoli. Già perché non c'è solo la splendida voce di Hucknall a dettar legge, è tutto il gruppo a incantare e a mettere il definitivo suggello a un album praticamente perfetto.

Anno di pubblicazione: 1985
Titoli brani:

Come to my aid

Sad old Red

Look at you know

Heaven

Jericho

Money's too tight

Holding back the years

Red box

No direction

Picture book

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CREUZA DE MÄ - Fabrizio de André

2008-05-09T00:09:00.007+02:00

Le traduzioni in italiano dei testi genovesi sono indispensabili per godere appieno della bellezza di questa opera. Anche se bisogna dire che, da un punto di vista puramente musicale, siamo probabilmente di fronte a uno dei lavori più riusciti di De André cosa che permette di apprezzare i brani anche senza sapere che cosa Fabrizio ci sta dicendo.
Quello che arriva attraverso le orecchie dell'ascoltatore sono le immagini di una Genova vecchia ma sanguigna, dove storie d'amore e di sesso si intrecciano a drammi personali e malinconici paesaggi. De André ci racconta di una città alla quale è unito da un forte legame sentimentale, talmente stretto da essere quasi viscerale. Lo prova la scelta di cantare in dialetto, di parlare di cose delle quali si potrebbe parlare passeggiando fra i “caruggi” o seduti in un bar che si affaccia sul porto.
Non fa eccezione la musica che qui viene proposta: c'è un accurato lavoro di scelta degli strumenti, degli arrangiamenti, di melodie che ricordano i brani della tradizione popolare.
Creuza de Mä è un disco raffinato, dove l'eccezionale lirica del grande cantautore si incontra con la ricercatezza stilistica ed esecutiva, dando vita a un album di altissimo valore.

Anno di pubblicazione: 1984
Titoli brani:

Creuza de Mä

Jamin-a

Sidun

Sinan Capudan Pascià

A pittima

A dumenega

Da a me riva

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WE SHALL OVERCOME: THE SEEGER SESSIONS - Bruce Springsteen

2008-05-08T23:48:00.008+02:00

Il folk non è il territorio naturale di Springsteen ma è proprio lui a svelarci come abbia scoperto il genere, grazie alle ballate di Pete Seeger. Fu amore a prima vista e da lì nacque l'idea di farne un disco. Non si tratta però del “solito” disco bensì, ciò che rende un album come questo del tutto particolare, di una registrazione in presa diretta nel soggiorno di un ranch americano. The Boss insieme a un gruppo di affiatati e bravissimi musicisti che, imbracciati gli strumenti tipici del genere (fiati, fisarmonica, banjo e quant'altro) si cimentano nell'esecuzione di brani della tradizione americana, col preciso intento di suonare e divertirsi.
Ed è proprio questo che viene fuori da questo album, divertimento, gioia di stare insieme, accomunati dalla musica e da ciò che quella musica dice a chi la ascolta. Un'energia positiva, che avvolge, coinvolge e spinge a ballare e cantare. Il tutto condito dall'inconfondibile voce di un artista che ha fatto la storia del rock.

Anno di pubblicazione: 1998 - 2006
Titoli brani:

Old Dan Tucker

Jesse James

Mrs. McGrath

O Mary don't you weep

John Henry

Erie Canal

Jacob's ladder

My Oklahoma home

Eyes on the prize

Shenandoah

Pay me my money down

We shall overcome

Froggie went a courtin'

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ARBORESCENCE - Ozric Tentacles

2008-05-07T00:20:00.008+02:00

Una delle tante escursioni sonore del gruppo inglese, questa volta nel cuore di una foresta psichedelica, che potrebbe trovarsi benissimo in un mondo alieno. Arborescence è permeato di quel “sense of wonder” che le sonorità degli Ozric riescono così bene ad esprimere. Ogni brano è una scoperta, un velo da spostare, non si può mai fermarsi, il fiato è sempre trattenuto, gli occhi sempre ben spalancati. E la prospettiva cambia continuamente, una volta ci si trova al microscopio, una volta si osserva l'orizzonte dall'alto di una cima. Sempre con la consueta, ineccepibile pulizia tecnica, cui gli Ozric Tentacles ci hanno abituato.

Anno di pubblicazione: 1994
Titoli brani:

Astro cortex

Yog-bar-og

Arborescence

Al-salooq

Dance of the Loomi

Myriapod

There's a planet here

Shima koto

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JURASSIC SHIFT - Ozric Tentacles

2008-05-07T00:08:00.005+02:00

Viaggi onirici, quelli che gli Ozric Tentacles costringono chi li ascolta a intraprendere. Lo “spostamento jurassico” viene facilitato dal pesante uso di suoni sintetici, sapientemente accoppiati a un rock energico, “spazioso”, in grado di richiamare immagini nella mente dell'ascoltatore conestrema facilità.
Jurassic Shift va ascoltato ad occhi chiusi, lasciandosi abbandonare e facendosi trascinare, è musica che ti prende per mano e ti conduce lontano, verso luoghi misteriosi, a volte oscuri, a volte illuminati da luci abbaglianti. Tutto questo grazie a una capacità creativa sconfinata, assecondata da una raffinatezza tecnico-esecutiva di prima grandezza.

Anno di pubblicazione: 1993
Titoli brani:

Sunhair

Stretchy

Feng shui

Half light in Thillai

Jurassic shift

Pteranodon

Train oasis

Vita voom

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METAL HEART - Accept

2008-05-02T23:58:00.010+02:00

Fa un po' sorridere dire di un disco metal che “è fatto come si faceva una volta”, eppure è proprio quello che viene da dire ascoltando un disco con qualche lustro sulle spalle come questo.
Gli Accept hanno registrato questo album durante quelli che potremmo definire gli “anni ruggenti” dell'heavy metal e infatti nei loro brani c'è una freschezza, un'energia e anche una voglia di divertirsi che difficilmente si riesce a sentire in lavori più recenti. Sono tutti pezzi orecchiabili, che ti metti a fischiettare dopo un paio di ascolti, che ti viene voglia di cantare dopo altri quattro o cinque e che ti porta infine a imitare gli splendidi solo di Wolf in ginocchio sul pavimento o saltando dal divano. Insomma, questo disco è un vero spasso.

Anno di pubblicazione: 1985
Titoli brani:

Metal Heart

Midnight Mover

Up to the limit

Wrong is Right

Screaming for a love bite

Too high to get it right

Dogs on the leads

Teach us to survive

Living for tonite

Bound to fail

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SO FAR SO GOOD - Bryan Adams

2008-05-02T23:43:00.009+02:00

Si tratta di una raccolta dei grandi successi di questo artista. Bryan Adams ha alle spalle una lunga carriera dalla quale non è difficile estrarre dei brani di sicuro impatto. Chi possiede gli album dai quali la raccolta è tratta non avrà sorprese. Questa collezione proponeinfatti i suoi lavori registrati in studio, con un sound potente e coinvolgente e la voce da vero rocker che conosciamo.
Gran parte dei brani sono celebri, ascoltati più volte alla radio, fra i quali spicca ovviamente la traccia numero 10, colonna sonora di quel Robin Hood che in tanti abbiamo visto al cinema e ancora di più in televisione.

Anno di pubblicazione:1993
Titoli brani:

Summer of '69

Straight from the heart

It's only love

Can't stop this thing we started

Do I have to say the words?

This Time

Run to you

Heaven

Cuts like a knife

(Everything I do) I do it for you

Somebody

Kids wanna Rock

Heat of the night

Please forgive me

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ANGELS CRY - Angra

2008-05-02T23:05:00.015+02:00

Primo lavoro di una band che ha lasciato il segno in Brasile come nel resto del mondo. In questo album troviamo all'opera la formazione originale, che stupisce per la caratura tecnica, di alto livello. Viene espresso un metal potente, veloce ma molto melodico, mai brutale, con spunti sinfonici e lirici, grazie alla cristallina voce di André Matos. Si intravedono i tentativi di integrare un sound latineggiante che acquisterà maggior presenza nel loro successivo lavoro. Qui predomina un sound di ampio respiro, energico, in particolare la traccia numero 2, uno dei cavalli di battaglia degli Angra, che porta inevitabilmente il pubblico a scatenarsi durante i concerti. Questo gruppo ha senz'altro caratteristiche che gli permettono di ritagliarsi un proprio spazio nel panorama metal internazionale.

Anno di pubblicazione:1993
Titoli brani:

Unfinished allegro
Carry on
Time
Angels cry
Stand away
Never Understand
Wuthering Heigths
Streets of tomorrow
Evil warning
Lasting child
The parting words
Reinassance

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